Pedro (Rafael Vitti) é um jovem chef promissor que está prestes a concretizar o sonho de abrir seu próprio restaurante quando um diagnóstico inesperado o obriga a repensar tudo. No fundo da crise, ele encontra uma nova razão para seguir em frente ao fazer amizade com Caramelo (Amendoim), um vira-lata caramelo que reflete a simplicidade e a tenacidade da vida. Juntos, eles embarcam em uma jornada de superação, afeto e descoberta do valor dos pequenos gestos, enquanto Pedro redescobre o significado de viver e amar o presente.

O objetivo de uma produção esteticamente brasileira é bem cumprido. O filme explora diversos cenários e elementos simbólicos do país, ainda que em alguns momentos force um pouco a barra. É a raça do cachorro, o nome dos personagens, os cenários e a trilha sonora: uma produção que não tem vergonha de ser brasileira e traz o país aos holofotes com um lançamento de impacto na maior plataforma de streaming do mundo.

Apesar de toda a sua brasilidade, a história de uma pessoa e seu cachorro é tão antiga quanto o tempo e não depende do entendimento de referências culturais para ser apreciada por espectadores no mundo inteiro. Com vários momentos capazes de arrancar lágrimas, risadas e recuperar memórias de todos os pais de pets, Caramelo consegue despertar uma gama de emoções que nos mantêm focados e conectados com a história e com a relação de Pedro e seu cão.

A direção do longa alcança alguns feitos surpreendentes. A produção envolveu mais de 60 cachorros resgatados por ONGs, e o trabalho de câmera para capturar certas cenas é melhor do que o de muitas produções internacionais com mais investimento. O mais importante é que o trabalho com os animais faz toda a diferença: é criado um relacionamento lindo entre Pedro e Caramelo, com o qual todo dono de cachorro será capaz de se identificar.

Infelizmente, se Diego Freitas capricha na direção, o roteiro, assinado por mais dois profissionais, deixa a desejar em vários momentos. O arco emocional e o desenvolvimento bem cadenciado estão presentes, mas há diversas linhas de diálogo que não soam naturais e acabam prejudicando a credibilidade da história. Felizmente, para a distribuição internacional, a dublagem ou as legendas em outras línguas devem ser suficientes para mascarar o problema. Freitas se prova um diretor extremamente competente, mas talvez seja melhor voltar a se dedicar a roteiros escritos por outros profissionais.

Rafael Vitti é um dos atores mais talentosos de sua geração, e embora esteja bem na maioria das cenas, ele falha quando tenta demonstrar raiva de Caramelo. Como o animal não é capaz de diferenciar atuação de realidade, quero acreditar que o tom de voz controlado nos momentos de bronca é apenas resultado da peculiaridade de contracenar com um cachorro.

Outro fator importante nessa produção é que, apesar de existir um projeto de lei, parado há alguns anos, para obrigar plataformas de streaming a participarem de produções locais, da mesma forma que canais de TV paga são obrigados a exibir conteúdo nacional, obras como Caramelo atualmente são feitas exclusivamente como forma de explorar e fortalecer a relação com o público brasileiro. Hoje, no país, o maior concorrente da Netflix é a Globoplay, e essa produção não deixa a desejar em nada quando comparada aos longas produzidos pela Globo.

Caramelo é um filme simples e direto que, apesar de não ter um grande orçamento, nos lembra que muitas vezes uma história sincera e bem contada pode ser muito mais impactante do que grandes efeitos especiais e múltiplas narrativas paralelas. Uma obra que representa bem o cinema brasileiro, tanto em suas qualidades quanto em seus defeitos.

Nota: 7/10

O filme é estrelado por Dwayne “The Rock” Johnson no papel de Mark Kerr, um dos principais pioneiros das Artes Marciais Mistas e membro do Hall da Fama do UFC. Apesar de ainda ser cedo, o ator já parece estar em campanha para a temporada de premiações, e a abordagem do longa, de focar menos no espetáculo e mais na dor pessoal e nos dilemas humanos, parece preencher a cartilha de favorecimento para os principais prêmios norte-americanos.

Coração de Lutador acompanha a ascensão e a queda de Mark Kerr, um dos primeiros grandes ídolos do MMA, conhecido por sua força bruta e estilo agressivo. Nos bastidores da fama, porém, Kerr enfrenta uma rotina de dor física, dependência de analgésicos e um relacionamento conturbado com Dawn Staples (Emily Blunt). Enquanto tenta manter o corpo e a mente em funcionamento, ele precisa lidar com a solidão e a pressão de um esporte que o transforma em espetáculo ao mesmo tempo em que o destrói por dentro.

Safdie, como principal força criativa por trás do longa, traz bastante valor para a produção. O trabalho de design de produção é espetacular, com claras referências ao impacto do Brasil na modalidade, o uso da marca Bad Boy (por muito tempo símbolo do vestuário no meio) e a fotografia com câmeras de 16mm, que contribuem para uma textura visual nostálgica e tiram proveito da riqueza de detalhes de todas as cenas.

Também é feito um trabalho de revisão histórica competente ao mostrar como, na época, o dinheiro era bem mais escasso no meio das Artes Marciais. Mark Kerr, como uma das personalidades mais famosas, tinha uma boa estabilidade financeira que o filme não omite, mas ainda assim precisava continuar lutando para garantir seu sustento. Os valores que negociava eram muito menores do que os lutadores de MMA podem alcançar atualmente.

Existe uma decisão interessante de acompanhar um período de apenas quatro anos da vida do lutador, aparentemente após seu auge. O trabalho narrativo de estabelecer as conquistas e histórias de Kerr é eficiente e evita o caso de filmes “Wikipedia”, que parecem apenas encenar os principais eventos da vida de uma estrela ao longo dos anos. Ainda assim, a escolha de qual período adaptar parece um tanto questionável.

The Rock traz uma atuação bem diferente da que estamos acostumados a ver. Com muito mais comprometimento em reproduzir a personalidade de Kerr e menos em exibir seu próprio carisma, ele se transforma em uma figura que, em muitos momentos, quase nos faz esquecer que estamos assistindo ao mesmo ator de longas como Jumanji (2017) e da franquia Velozes e Furiosos. Outro fator que ajuda é o trabalho de maquiagem, que já desponta como forte candidato ao Oscar de 2026. No entanto, há um momento que chega a provocar risadas não intencionais — de constrangimento — quando o protagonista corta o cabelo e, por alguns instantes, parece que Mark Kerr sai de cena e The Rock volta.

Já o que o filme tem de qualidade visual, falta capricho no roteiro. O relacionamento do protagonista com Dawn Staples e sua amizade com o lutador e treinador Mark Coleman (Ryan Bader) são mal desenvolvidos, e os coadjuvantes não têm espaço para brilhar, o que vai na contramão da proposta de trazer um drama mais emocional do que esportivo. Além disso, a luta do personagem contra o vício em opioides também deixa a desejar, com uma trajetória linear e que parece se resolver sem grandes desafios.

Coração de Lutador é mais uma biografia que foge dos padrões das produções pós-Bohemian Rhapsody (2018), trazendo uma abordagem mais interessante e menos contida sobre como honrar a história de uma vida. Com uma atuação de The Rock que surpreende na maior parte do tempo, mas deixa a desejar nos momentos mais dramáticos, o filme entrega muitos visuais e pouca substância. Ainda assim, consegue honrar a história do esporte e nos trazer um retrato sobre o custo de transformar dor em espetáculo.

Nota: 6/10

Em The Paper acompanhamos novamente a equipe documental que filmou os funcionários da Dunder Mifflin em The Office, mas agora a atenção se volta ao Toledo Truth Teller, um jornal do meio-oeste norte-americano em decadência. O novo editor-chefe, Ned Sampson (Domhnall Gleeson), precisa reerguer o jornal enquanto enfrenta os desafios da era digital, como a queda de circulação impressa e a concorrência gratuita online.

Apesar de The Office ser constantemente citado no marketing, os criadores deixam claro que a proposta aqui é outra. Mesmo que se passe no mesmo universo, e que Oscar Núñez esteja reprisando seu papel como Oscar Martínez, não se trata de uma continuação direta do clássico protagonizado por Steve Carell. O elenco principal é novo, o cenário é outro e a rotina profissional também. A ideia é resgatar a sensação e o estilo do mockumentary, mas sem se apoiar na mesma fórmula.

O novo elenco é interessante. Embora Ned não seja um protagonista tão marcante quanto Michael Scott, ele está cercado de personagens cativantes desde o início, com destaque para Mare Pritti (Chelsea Frei). As personalidades distintas permitem que a série explore diferentes tipos de humor, desde o sarcasmo e o nonsense até situações de constrangimento.

As sitcoms tradicionais costumavam usar temporadas longas, geralmente com mais de 20 episódios, para apresentar personagens e desenvolver dinâmicas. No modelo de streaming, esse esforço precisa ser concentrado em bem menos tempo, o que às vezes prejudica o equilíbrio entre humor e narrativa. Nos episódios iniciais, The Paper se atropela um pouco. A personagem Esmeralda Grand (Sabrina Impacciatore) é irritante de forma quase insuportável e algumas tramas românticas parecem apressadas demais.

A virada acontece a partir do quarto episódio, quando a série encontra o tom certo. Esmeralda deixa de ser apenas uma vilã incômoda e ganha arcos mais interessantes, os coadjuvantes passam a ter relações mais bem trabalhadas e o humor atinge um ritmo natural e consistente.

Ao final da temporada não temos apenas boas reviravoltas entre os personagens, mas também a prova de que existe originalidade. The Paper se afirma como algo divertido e novo, e não apenas uma tentativa preguiçosa de lucrar em cima do prestígio de The Office e de seu criador.

Talvez a maior frustração dos fãs seja a curta duração. Desde que sitcoms migraram para o streaming, poucas arriscaram temporadas longas. Em dramas, episódios de “enchimento” são vistos como perda de tempo, mas nas comédias eles muitas vezes funcionavam como espaço para a criatividade dos roteiristas. Aqui o roteiro é mais direto e coeso, o que alguns podem preferir, mas a sensação é de que faltou fôlego para mais momentos cômicos espontâneos.

No fim, The Paper consegue unir reflexões sobre a indústria contemporânea das notícias com humor afiado e personagens envolventes. A vinheta de abertura é quase uma metáfora para o que a série entrega: referências claras a The Office para conquistar o público, mas com energia nova, moderna e divertida. Com a segunda temporada já confirmada e um ambiente bem estabelecido, as expectativas são de que a continuação mantenha, e até eleve, o nível da série.

Nota: 7/10

Tudo começou a mudar quando John Lasseter, diretor e roteirista de Toy Story, foi contratado em 1983 e passou a desenvolver curtas para a empresa. Em 1986, Steve Jobs comprou a Pixar e a transformou em uma companhia independente. Jobs costumava dizer que considerava a Pixar sua maior criação, até mesmo mais importante que a Apple. Foram cerca de 50 milhões de dólares investidos de sua fortuna pessoal para manter o estúdio vivo até que se tornasse lucrativo. Quando a Pixar foi adquirida pela Disney em 2006, ele se tornou o maior acionista individual da empresa.

A trama acompanha Woody, um cowboy de pano que sempre foi o brinquedo favorito de Andy. Sua liderança é abalada pela chegada de Buzz Lightyear, um patrulheiro espacial que não percebe ser apenas um brinquedo. A rivalidade cresce até que os dois acabam separados de Andy e precisam superar suas diferenças para voltar para casa. Misturando humor, aventura e emoção, Toy Story mostra que até brinquedos podem lidar com ciúmes, amizade e a busca por pertencimento.

Lasseter sempre quis dar complexidade aos personagens. A jornada de Woody para aceitar a perda do favoritismo e a de Buzz para reconhecer que não é um astronauta real falam sobre temas universais, como aceitar limitações e encarar decepções. Mesmo os brinquedos secundários vivem pequenos arcos, cada um com suas próprias dificuldades em enxergar Woody além da imagem de líder perfeito.

O design de produção foi disruptivo para a época, rompendo com o domínio das animações 2D da Disney, como A Pequena Sereia, A Bela e a Fera e O Rei Leão. O filme equilibra comédia, drama e um clímax cheio de ação, considerando os desafios técnicos do período. Foram quase quatro anos de produção, mais de 100 artistas envolvidos e 300 processadores rodando sem parar. Renderizar um único segundo podia levar de quatro dias a duas semanas, o que tornava qualquer erro extremamente custoso.

Diferente dos musicais, que ainda eram o padrão da época, Toy Story aposta em um ritmo ágil. Mesmo com toda a carga de desenvolvimento emocional, tem menos de 90 minutos de duração, e as piadas funcionam tanto para crianças quanto adultos. O humor mescla situações visuais com diálogos sofisticados e cheios de ironia. A trilha sonora de Randy Newman ainda carrega emoção e permanece atual. Há também um senso de comunidade entre os brinquedos, que vão além do simples alívio cômico e ajudam a sustentar a narrativa. Para a época, a tecnologia inovadora era um grande chamariz, mas o que realmente torna o longa memorável é a força da história.

O impacto foi imediato. Em poucos anos, Hollywood praticamente abandonou o 2D, salvo raras exceções, e abriu espaço para estúdios como DreamWorks, Blue Sky e Illumination investirem pesado em animações digitais. Woody e Buzz se tornaram ícones globais e a Pixar deixou de ser uma empresa de tecnologia para se consolidar como o estúdio de animação mais prestigiado do mundo. Seus softwares, que chegaram a ser usados em O Exterminador do Futuro, Jurassic Park e O Senhor dos Anéis, viraram apenas notas de rodapé diante do legado cinematográfico.

Toy Story nasceu da união de mentes criativas que acreditaram no potencial do cinema de animação além do público infantil. Mesmo diante de dificuldades financeiras, a combinação de visão artística e inovação tecnológica deu origem à franquia mais importante da história das animações digitais. Sensível, engraçado e universal, o filme mostrou que a tecnologia podia servir a narrativas emocionantes e permanece como um marco eterno na história do cinema.

Nota: 10/10

Durante mais de uma década, a família Smurl afirmou viver sob a presença de algo que chamavam de “demônio”, com relatos de batidas, cheiros fétidos, objetos se movendo sozinhos e até ataques físicos e sexuais contra os moradores. A Igreja Católica nunca reconheceu oficialmente o caso, vizinhos alegaram nunca ter visto nada de incomum e céticos apontaram apenas problemas conjugais e financeiros. Ainda assim, o episódio se tornou um dos mais famosos da carreira dos Warrens, rendeu livro, adaptação para a TV e continua dividindo opiniões entre fraude, histeria coletiva ou uma das mais violentas manifestações do sobrenatural nos Estados Unidos.

No filme, Ed e Lorraine tentam aproveitar a aposentadoria quando um último caso os chama de volta: a família Smurl estaria sendo atormentada por uma entidade demoníaca ligada a um espelho amaldiçoado. Em meio ao terror e à tensão, Judy, a filha do casal, descobre dons semelhantes aos da mãe e se junta à investigação. Invocação do Mal 4: O Último Ritual funciona como uma despedida intensa para os famosos demonologistas.

Apesar de superar o terceiro filme, o longa ainda está distante do patamar estabelecido por James Wan. O terror sobrenatural pede uma escalada de suspense que instigue a dúvida entre imaginação e realidade, mas aqui, após um início promissor com algumas ideias criativas e até uma cena visceral que surpreende, o roteiro logo se entrega a manifestações exageradas. Em vez de sustentar a tensão, os recursos são usados apenas para assustar de forma imediata.

O maior problema é a sensação de repetição. O canto da casa mergulhado na escuridão, as silhuetas que se revelam apenas sombras e a incerteza entre sonho e vigília já foram explorados nos três filmes anteriores. A fórmula não é reinventada nem atualizada, apenas repetida. O curioso é que o próprio caso Smurl oferece incidentes fora do padrão habitual da franquia, que poderiam ter servido para renovar a narrativa e dar fôlego aos personagens.

O design de produção e a fotografia tampouco se destacam. Seja por orçamento limitado ou pelo simples fato de nunca terem sido pontos fortes nas produções ligadas a Wan, o filme não acompanha os padrões visuais mais ambiciosos que o terror moderno vem apresentando. O mesmo pode ser dito da direção, me foge a razão como Chaves foi de diretor de um clipe musical da Billie Eilish para o péssimo A Maldição da Chorona (2019), e com um filme tão fraco ter conquistado um lugar numa das últimas grandes franquias de terror sobrenatural a ter surgido.

Já o casal de protagonistas ainda apresenta uma química em tela que ajuda com o fraco desenvolvimento emocional do roteiro. Os dois atores foram ganhando mais destaque a cada filme da franquia, e aqui fica bem evidente o porquê. O clima de despedida também ajuda a criar algum tipo de comoção nos minutos finais, apesar da extrema falta de coragem do roteiro de dedicar mais tempo na exploração das consequências dos traumas que as duas famílias vivenciam.

Invocação do Mal 4: O Último Ritual parece feito para quem tem nostalgia do terror de sustos que dominava os cinemas no início da década passada. É um encerramento previsível, com roteiro simples e fórmulas conhecidas, que entrega uma despedida digna para Ed e Lorraine, mas deixa claro que a franquia já não ocupa mais o topo do gênero.

Nota: 5/10

No filme, quatro aposentados excêntricos formam um clube semanal para resolver crimes antigos em uma pacata comunidade de idosos. Quando um assassinato real ocorre, o grupo formado por uma espiã aposentada, um antigo líder sindical, um psiquiatra sagaz e uma enfermeira perspicaz se envolve em uma investigação que mistura amizade, memórias e segredos. Mas sob o charme britânico, os segredos enterrados resistem ao esquecimento, e cada xícara de chá pode esconder uma pista.

A Netflix já consolidou um padrão visual em suas grandes produções, e isso se repete aqui. Os cenários são bonitos e vibrantes, os figurinos chamativos, e a maquiagem deixa todos os personagens com uma aparência quase impecável.

Se a estratégia da plataforma é criar franquias a partir de livros já estabelecidos, como em A Rua do Medo e Enola Holmes, também se repete o problema que parece comum a essas adaptações: a fragilidade do roteiro. Em Hollywood é normal que uma história passe por dezenas ou até centenas de revisões antes de ser filmada, mas a Netflix vem abrindo mão desse cuidado. O resultado se reflete em uma trama rasa e em subtramas sem profundidade.

O elenco principal reúne Helen Mirren, Pierce Brosnan, Ben Kingsley e Celia Imrie. Todos são experientes, compreendem bem seus papéis e têm momentos de destaque que sustentam a química do grupo na tela.

Quando esse material passa pelas mãos de Chris Columbus, o resultado final se encaixa perfeitamente no restante da carreira do diretor. Famoso por Esqueceram de Mim (1990) e pelos dois primeiros filmes da franquia Harry Potter, ele mais uma vez opta por um tom leve, acelerando e suavizando a narrativa nos momentos sombrios da história. O foco é entregar um filme que pode ser visto pela família inteira, ainda que envolva múltiplos assassinatos e personagens que controlam redes de trabalho exploratório.

A conclusão da trama deixa muitas pontas soltas, o que não surpreende, já que a confirmação de uma sequência deve ser apenas questão de tempo. Talvez, com personagens e relações já estabelecidas, a continuação consiga ser mais enxuta e menos cansativa.

A conclusão de O Clube do Crime das Quintas-Feiras deixa claro que o filme cumpre seu papel como entretenimento leve, mas não chega a se destacar. O charme britânico, o elenco competente e o mistério simpático ajudam, mas são insuficientes para superar a superficialidade do roteiro e as coincidências que sustentam a trama. No fim temos o mais puro suco da sessão da tarde, um filme que se assiste com facilidade, mas é rapidamente esquecido, reforçando a impressão de que a Netflix priorizou a construção de uma franquia ao invés de criar uma obra memorável.

Nota: 5/10

Dado o conteúdo extremamente humorístico do canal, muitos se surpreenderam quando, em 2022, pela A24, os dois lançaram um longa de estreia que se tornou sucesso de crítica e bilheteria, consolidando-os como uma nova promessa do terror alternativo. Com o anúncio de Faça Ela Voltar, surgia mais um caso, semelhante ao de A Hora do Mal, de jovens cineastas tentando repetir o êxito de sua primeira obra.

Órfãos de pai e sob a guarda de uma nova mãe adotiva excêntrica, dois meio-irmãos descobrem cedo que o lar nem sempre é refúgio, e que a família nem sempre salva. Entre cânticos ritualísticos e símbolos ocultos, o que parecia proteção se transforma em pesadelo. Bring Her Back mistura horror psicológico e suspense sangrento para mostrar que nem todo dom é bênção e que nem toda casa é um lar.

Sally Hawkins, como a madrasta, assume um papel distante do que costuma interpretar. Em vez da leveza das comédias que a consagraram, ela entrega aqui uma personagem dramática, paranoica e manipuladora. Billy Barratt, com o maior tempo de tela, surpreende ao encarnar um irmão mais velho prestes a completar dezoito anos, apesar de ter apenas treze. Sua maturidade em cena é impressionante.

Um dos aspectos mais marcantes do longa é a direção de atores mirins. Sora Wong, descoberta pelos irmãos Philippou através de um anúncio no Facebook, não possuía experiência prévia, mas se entrega ao papel com naturalidade. O destaque, porém, vai para Jonah Wren Phillips, ou talvez para a forma como suas cenas foram conduzidas. Como a produção foi realizada na Austrália, as filmagens seguiram regras locais rígidas para proteger menores, o que torna ainda mais surpreendente o impacto de algumas cenas de horror corporal em que ele aparece.

Onde os Philippou tropeçam é no excesso de didatismo. A força do filme está justamente na ambiguidade: a narrativa poderia ser lida tanto como um mergulho no psicológico quanto como uma manifestação sobrenatural. No entanto, a insistência em confirmar que os eventos são de fato sobrenaturais enfraquece o desfecho, tirando peso do que poderia ter sido o melhor final, e talvez o melhor filme de terror do ano.

Ainda assim, vale ressaltar: apesar do tom emocional e melancólico do clímax, este é sim um filme de terror. Não há sustos fáceis, mas há muito sangue, cenas pesadas e traumas que assombram tanto quanto qualquer entidade. A obra se encaixa perfeitamente na nova onda de terror corporal, que combina o visceral com o psicológico, tendência cada vez mais forte no gênero.

As histórias que o cinema pode contar são limitadas, mas as formas de contá-las são infinitas. Faça Ela Voltar parte de uma premissa familiar, já usada em inúmeros suspenses e terrores das últimas décadas, mas a forma como os irmãos Philippou a traduzem para a tela é única, moderna e marcante. Um filme que confirma não só o talento da dupla, mas também a força do terror como gênero mais competitivo do ano.

Nota: 8/10

Tim (Dave Franco) e Millie (Alison Brie) são um casal que, como muitos, vive aquele equilíbrio instável entre amor e irritação diária. A diferença é que, no caso deles, o destino decide levar a metáfora da “união” a um nível grotescamente literal: eles começam a se fundir fisicamente. Entre consultas médicas sem respostas, crises de ansiedade e uma crescente sensação de claustrofobia a dois, a relação é testada de maneira dramática. Misturando humor ácido e horror corporal, Juntos transforma a intimidade em algo tão fascinante quanto desconfortável.

Desde sua estreia, o longa vem sendo comparado ao sucesso de horror corporal de 2024, A Substância. A semelhança faz sentido quando se fala dos efeitos visuais, bem feitos e desconfortáveis, mas perde força ao perceber que Juntos é uma obra com menos sangue e com muito menos originalidade na busca por explicações para os acontecimentos.

Historicamente, esse subgênero do terror costuma apresentar tramas em que pouco se explica e muito se mostra, deixando ao espectador a interpretação dos significados por trás dos acontecimentos nojentos e perturbadores. Juntos segue na direção oposta, com um roteiro simples e expositivo, incapaz de desenvolver um único evento relevante sem diálogos que explicitem de forma óbvia o que os personagens estão pensando ou sentindo. Para piorar, o terceiro ato é uma confusão temporal em que a sincronia dos acontecimentos simplesmente não faz sentido.

A direção é eficaz na primeira metade, enquanto o suspense se constrói, com poucas informações e mais espaço para a imaginação. Porém, à medida que o clímax se aproxima e as cenas passam a ter frequentes momentos de explicação, a quebra de ritmo se torna evidente. O humor ajuda em alguns trechos, mas a impressão final é que as críticas e o marketing que prometeram uma experiência magistral ao nível de A Substância acabaram criando expectativas altas demais para um filme bem mais simples.

O ponto mais alto está na atuação do casal principal. A química, já esperada pelo relacionamento real, e a entrega de ambos tornam fácil se importar e torcer pelo casal do início ao fim. Alison Brie interpreta uma mulher frustrada com a relação, que vê o homem antes sonhador e romântico se transformar em mais uma responsabilidade em sua vida. Ela não acredita estar com um adulto independente. Já Dave Franco se destaca ao viver um homem preso não apenas aos sonhos do passado, mas também a seus traumas. A co-dependência, o peso do fracasso da carreira musical e a ansiedade o colocam na posição de alguém para quem a parceira é a única âncora emocional.

Apesar de não cumprir totalmente a promessa de um terror corporal impactante, Juntos funciona como comédia de humor ácido com elementos de suspense. Mesmo que o amadorismo do diretor apareça em alguns momentos, o carinho pelo projeto é claro, e as atuações se tornam o verdadeiro alicerce do filme. Se tivesse sido lançado em um momento de baixa para o gênero, talvez encontrasse mais sucesso com expectativas mais moderadas.

Nota: 6/10

A Hora do Mal gira em torno do enigmático desaparecimento de 17 crianças de uma mesma turma escolar, todas fugindo de casa na mesma madrugada — exceto uma. Sem sinais de invasão ou sequestro, o caso mergulha a pequena cidade em pânico. Enquanto os pais tentam compreender o inexplicável, as autoridades correm contra o tempo em busca de pistas. O que poderia ter levado tantas crianças a sumirem simultaneamente? E por que apenas uma ficou para trás? O mistério se aprofunda, revelando que algo muito mais sombrio pode estar em jogo.

O filme é um épico de terror com múltiplas histórias interconectadas e um elenco de peso, que inclui Josh Brolin, Julia Garner e Alden Ehrenreich. As ótimas interpretações ajudam a sustentar o clima que transita entre o terror e, eventualmente, a comédia. Cary Christopher, ator mirim de apenas nove anos, entrega uma atuação excepcional, reforçando a atmosfera de incerteza que domina os dois primeiros atos.

Apesar de impressionar em todos os aspectos técnicos, é preciso dar um crédito especial a Zach Cregger. Aqui, ele consolida sua posição como uma das grandes mentes criativas do terror contemporâneo. Mesmo com uma narrativa complexa e não linear, ele nunca subestima a capacidade do espectador de acompanhar os acontecimentos por meio de sutis pistas contextuais. É um filme que exige atenção, mas que também prende naturalmente o olhar graças à sua trama instigante.

Os sustos, sempre um ponto de discussão no gênero, são usados com inteligência. Muitos produtores de Hollywood ainda veem esse recurso como um atalho para causar medo, forçando sua inclusão em excesso. Cregger, ao contrário, entende que sustos funcionam melhor como uma das muitas ferramentas para criar tensão e ansiedade, não como a única. A brutalidade visual, outra tendência recente, também está presente, mas é dosada com coerência e propósito narrativo.

O único ponto fraco da experiência, que dura mais de duas horas, é um longo trecho de flashbacks com explicações expositivas para diversos simbolismos da história. Apesar de essenciais para compreender todos os detalhes, eles provocam uma queda perceptível na tensão. Felizmente, o diretor aproveita esse momento para fazer uma transição brilhante para um tom de humor negro. No clímax, quando já não há mais mistérios a serem revelados, a ação e o humor se misturam para criar cenas que, em outro contexto, seriam completamente absurdas, mas aqui funcionam perfeitamente.

A Hora do Mal reforça uma tendência cíclica de Hollywood: com as bilheterias em baixa e sem uma nova grande febre desde o auge dos super-heróis, o terror volta a ser a principal válvula de criatividade e ousadia do cinema comercial. E com este novo longa, Zach Cregger prova que é um dos nomes mais importantes a navegar nessa nova onda.

Nota: 9/10

O primeiro exorcismo foi realizado em 1912 pelo padre Theophilus Riesinger. Em 1928, ele voltou a conduzir o ritual que tornou o caso amplamente conhecido. O processo durou cerca de três meses e, de acordo com a documentação do padre Joseph Steiger, Anna teria levitado, falado em diversas línguas, demonstrado força descomunal e reagido violentamente à água benta.

Após esse segundo exorcismo, Anna teria vivido em paz até sua morte, ainda que a data exata permaneça incerta. Mesmo com toda a notoriedade do caso, a história havia sido adaptada apenas uma vez, no péssimo O Exorcismo de Anna Ecklund (2016), ignorado por crítica e público. Com O Ritual, estrelado por Al Pacino, a promessa era de algo mais assustador e fiel ao que foi documentado.

No filme, dois padres, um em crise de fé e outro com um passado conturbado, precisam superar suas diferenças para salvar uma jovem possuída. A sinopse soa genérica, como quase todos os filmes de exorcismo produzidos nas últimas décadas. É compreensível, já que até as histórias fictícias se inspiram em casos reais, e este é anterior à própria existência do cinema.

O que não se pode relevar é a insistência numa agenda religiosa que busca reafirmar a força da fé nos momentos de escuridão. Embora seja um tema inevitavelmente ligado à religião, bons filmes de exorcismo não precisam defender dogmas para causar medo. Fazer o espectador acreditar na possessão já é suficiente para tornar real tudo que a cerca. O terror sempre usou o medo como forma de ensinar, e para boa parte do público, isso funciona. Uma vez convencido da veracidade do que vê, o espectador compra também o universo que o sustenta.

E a verdade é que há um motivo para esse caso ter sido inspiração para tantas ficções e só ter recebido uma adaptação anterior. Foram meses de rituais longos, quase exaustivos, com um desfecho sem nenhum clímax real. O roteiro tenta contornar isso, mas não há como estruturar com fidelidade uma história assim dentro do modelo narrativo de três atos.

Em alguns momentos, os diálogos parecem retirados diretamente da página da Wikipedia sobre o caso, com os personagens explicando detalhes apenas para situar o público. Em contrapartida, o longa também distorce livremente o relato original para se adequar ao formato. Há, por exemplo, mais tentativas de exorcismo no filme do que as registradas nos documentos.

Como se seguisse uma lista de lugares-comuns, o roteiro ainda insiste em clichês: a madre superiora como figura racional e forte, enquanto todas as outras freiras são frágeis e influenciáveis; a freira mais bonita que parece ser um interesse romântico disfarçado do padre; e uma tentativa breve de introduzir o terror psicológico que não contribui para a história e apenas serve para esticar o tempo do filme. Nada disso tem qualquer ligação com o caso real, são apenas fórmulas recicladas do gênero.

A direção adota um uso questionável do estilo cinéma vérité, técnica consagrada em documentários e popularizada no entretenimento por séries como The Office. Aqui, o resultado é desastroso: o tom documental aplicado a cenas de possessão acaba gerando um efeito cômico e completamente deslocado.

Quanto à presença de Al Pacino, ela é irrelevante. Ele entrega o básico, e sem um roteiro que lhe dê material, não há como escapar da apatia. As subtramas não vão a lugar algum, o desenvolvimento emocional é raso, e os diálogos estão em desacordo com o contexto histórico da trama. O restante do elenco sofre dos mesmos obstáculos.

Vale também apontar o esforço do marketing do filme em ser deliberadamente enganoso. A história de Anna Ecklund, na realidade, não tem qualquer vínculo com O Exorcista (1973), de William Friedkin, que se inspirou no caso de Roland Doe.

O Ritual é uma tentativa desastrosa de recriação do sucesso de O Exorcista. Seus criadores parecem não ter compreendido o que faz do longa de 1973 um marco do cinema. Nada aqui é novo ou melhor do que qualquer outro filme já inspirado por aquele clássico. É uma obra preguiçosa, genérica e esquecível.

Nota: 1/10

Nos quadrinhos, o grupo marcou o início da chamada Era Marvel. Antes disso, os heróis eram retratados como figuras quase infalíveis: invencíveis, inteligentes, sempre prontos com a resposta certa. Com o Quarteto, Lee e Kirby apostaram em personagens que erravam, sentiam medo, brigavam entre si e lidavam com suas próprias limitações. Essa abordagem revolucionou o mercado editorial e consolidou a Marvel como rival direta da DC Comics.

Já nos cinemas, a história é bem mais conturbada. Houve três filmes neste século com dois elencos diferentes, e nenhum conseguiu emplacar de verdade. Sem contar o longa da década de 90, jamais lançado oficialmente, supostamente produzido apenas para manter os direitos sobre os personagens na 20th Century Fox.

Com a compra da Fox pela Disney em 2019, a entrada do grupo no MCU era apenas questão de tempo. Agora, Quarteto Fantástico: Primeiros Passos chega como parte da fase seis, prometendo ser um dos pilares do novo ciclo da Marvel e peça central nas próximas produções dos Vingadores.

Na nova trama, um grupo de astronautas é exposto a uma tempestade de radiação cósmica durante uma missão experimental, o que provoca transformações extraordinárias. De volta à Terra, cada um descobre habilidades únicas: Reed Richards (Pedro Pascal) ganha a capacidade de esticar o corpo, Susan Storm (Vanessa Kirby) torna-se invisível, Johnny Storm (Joseph Quinn) controla o fogo e pode voar, enquanto Ben Grimm (Ebon Moss-Bachrach) se transforma em uma criatura rochosa de força descomunal. Enquanto tentam entender suas novas condições, o grupo enfrenta ameaças que colocam à prova não apenas seus poderes, mas também sua união como equipe.

Diferente dos filmes anteriores, Primeiros Passos abraça a estética retrofuturista presente nas HQs originais. Os uniformes são fiéis, o design de produção é criativo e o visual geral remete diretamente à fantasia científica da década de 60. É o aspecto mais bem resolvido do longa, e o que mais o diferencia.

Mas se no passado o Quarteto representou a humanização dos super-heróis, o mesmo não pode ser dito aqui. Há tentativas de criar situações emocionalmente complexas, mas tudo soa superficial. É difícil apresentar quatro protagonistas em menos de duas horas, e o roteiro não dá conta. Tocha Humana e o Coisa são apenas sombras de suas versões em outras mídias, e até inferiores aos personagens do filme de 2005. A química entre os atores é excelente, mas o Johnny Storm baladeiro e o Ben Grimm atormentado por sua aparência simplesmente não aparecem.

E personagens mal desenvolvidos costumam ser reflexo de roteiros fracos. O texto de Primeiros Passos é recheado de clichês, com personagens tomando decisões sem justificativa clara. As falas, em muitos momentos, beiram o constrangedor. Só não comprometem completamente porque o elenco principal segura firme, com destaque para Pedro Pascal e Vanessa Kirby, que fazem o possível mesmo nas piores cenas.

Os vilões são desperdiçados. A estreia da Surfista Prateada (Julia Garner) e do Galactus (Ralph Ineson) começa promissora, mas perde força no terceiro ato. E para um filme de super-heróis, há pouquíssimas cenas de combate. Só no final é que vemos o Sr. Fantástico usando seus poderes de forma significativa.

Durante a história, tudo aponta para um desfecho com grande impacto no MCU. A expectativa é bem construída. Mas a recompensa nunca chega. O clímax é previsível, sem coragem, e deixa a sensação de que a Marvel segue presa ao mesmo ciclo de prometer muito e entregar pouco.

No fim, Quarteto Fantástico: Primeiros Passos não é um desastre. Mas também não é uma vitória. É, ironicamente, o melhor filme do grupo até hoje, o que diz mais sobre o passado da franquia do que sobre os méritos deste longa.

Após um ótimo Thunderbolts*, a esperança de uma nova fase para o MCU parecia real. Mas o retorno à mediocridade faz tudo soar como mais um falso começo.

Nota: 6/10

É curioso como, em 1997, esse filme foi produzido às pressas para surfar na febre da franquia Pânico, que havia começado apenas um ano antes. É uma história muito parecida com a da franquia Sexta Feira 13, que foi concebida da mesma forma na década de 70 para aproveitar o sucesso criado por Halloween. A principal diferença entre Jason e o assassino do gancho é que o primeiro surgiu como ícone em uma franquia que teve um bom primeiro filme e que o personagem do Jason nem sequer é o assassino original, sendo uma figura construída ao longo das continuações. Já o assassino do gancho surgiu sem personalidade, em um filme medíocre, dentro de uma franquia que nunca conseguiu se sustentar.

Agora, o novo filme chega como uma “sequência legado”, abordagem que vem sendo utilizada por diversos estúdios para ressuscitar franquias antigas. Trata-se de uma continuação direta dos filmes anteriores, mas que se passa décadas depois, com os atores originais retornando aos seus papéis. Não por coincidência, Eu Sei O Que Vocês Fizeram No Verão Passado está voltando após o recente sucesso das novas sequências de Pânico, que, junto a franquias como Terrifier, X e Rua do Medo, parecem estar moldando o que um dia será lembrado como a quarta grande era do terror slasher.

O novo filme acompanha cinco jovens que, após se envolverem em um acidente de carro fatal, fazem um pacto de silêncio e tentam seguir com suas vidas. No entanto, o passado retorna com força quando um misterioso assassino armado com um gancho começa a persegui-los, revelando que os segredos enterrados nunca estiveram tão perto da superfície. Conforme o grupo é colocado em perigo, eles descobrem que a tragédia de Southport tem raízes mais profundas do que imaginavam — e que a chave para sobreviver pode estar nas mãos dos dois únicos sobreviventes do massacre de 1997.

A franquia nunca foi reconhecida pela qualidade do roteiro ou da história, mas era de se esperar que pelo menos o básico do desenvolvimento narrativo fosse entregue. A história não tem ritmo, e a direção não colabora com a ausência de suspense. Com quase duas horas de duração, faltam momentos de tensão, faltam perseguições criativas e, em uma década em que o terror corporal e a violência gráfica estão em alta, falta sangue. Toda a criatividade foi gasta em referências desnecessárias e piadas sobre como homens precisam fazer terapia. O filme também ameaça lidar com temas sérios como gentrificação e o impacto dos traumas em nossas vidas, mas é uma ameaça tão inofensiva quanto a que o próprio assassino do gancho oferece durante o longa.

A trilogia original nunca conseguiu se estabelecer completamente. O terceiro filme, Eu Sempre Vou Saber o Que Vocês Fizeram No Verão Passado (2006), sequer foi lançado nos cinemas, indo direto para DVD. Portanto, dizer que a franquia precisava se reinventar é exagero — ela nunca inventou nada. O que existia eram alguns poucos personagens que ficaram gravados na memória da pequena base de fãs, personagens esses que o novo filme fez questão de desrespeitar.

E para quem assistiu aos filmes anteriores e se lembra de um dos piores finais cinematográficos da história, apresentado no longa de 2006, vai se surpreender (ou não) ao descobrir que conseguiram repetir o mesmo nível de má qualidade mais uma vez.

Se não bastasse a história longa e sem grandes acontecimentos, o trabalho de câmera e iluminação talvez seja o pior do ano até agora. Esse é o terceiro longa da diretora Jennifer Kaytin Robinson, cujos dois filmes anteriores foram comédias adolescentes. Infelizmente, ela não sabe trabalhar com sombras e escuridão, não sabe criar clima de suspense, e o roteiro sem ritmo definitivamente não a ajudou a estabelecer o mínimo de dinamismo para evitar o tédio.

Um dos principais motivos para a segunda era do slasher nunca ter deixado uma marca significativa é o fato de que a única franquia realmente boa a ter surgido nela foi Pânico. Eu Sei O Que Vocês Fizeram No Verão Passado ser o segundo maior nome da época sempre foi prova disso. E a franquia parece ter voltado apenas para nos lembrar por que ninguém gostava tanto assim dela. Fica a esperança de que esse tenha sido, de fato, o fim.

Nota: 2/10

No cinema, as interpretações de Christopher Reeve marcaram profundamente a história do personagem, consolidando o Superman como a principal referência de super-heróis não apenas nos quadrinhos, mas também nas telas por décadas. Mais recentemente, Brandon Routh e Henry Cavill também assumiram o papel, mas sem alcançar o mesmo nível de relevância cultural.

E falando em apresentações de menor impacto, depois de anos em que a Warner tentou replicar o sucesso da Marvel no cinema, em parceria com o diretor Zack Snyder, o universo da DC ficou inconsistente, com resultados fracos tanto na crítica quanto nas bilheterias. Os personagens são mundialmente conhecidos, mas sua força e identidade foram profundamente enfraquecidas.

Em meio a esse cenário, James Gunn se destacava na Marvel com os filmes dos Guardiões da Galáxia, o que lhe rendeu a chance de revitalizar a DC com o novo Esquadrão Suicida (2021) e a série Pacificador (2022). O sucesso imediato desses projetos levou Gunn a assumir o comando da DC Studios ao lado de Peter Safran, que já havia produzido diversos filmes de terror para a Warner e atuado como uma figura de liderança na fase final do ciclo de Zack Snyder. No meio de um planejamento confuso e prejuízos financeiros, Gunn surgiu como promessa de renovação. Seu primeiro projeto desde que assumiu esse papel é Superman, pensado como ponto de partida para uma nova linha de filmes e séries da DC.

Em Superman, dirigido por Gunn, acompanhamos a tentativa do herói de equilibrar sua origem kryptoniana com a vida que construiu como Clark Kent (David Corenswet) em Smallville, Kansas. A trama resgata figuras clássicas do universo da DC, trazendo personagens como Lex Luthor (Nicholas Hoult), Lois Lane (Rachel Brosnahan), Lanterna Verde (Nathan Fillion) e Mulher Gavião (Isabela Merced). Diante de ameaças grandiosas e de uma sociedade que questiona seus valores de justiça e verdade, Superman será forçado a colocar seus princípios à prova como nunca antes.

Para um roteiro que aposta em muitas cenas de ação e pouco tempo para desenvolvimento emocional, a escolha do elenco foi certeira. David Corenswet entrega um Superman que, apesar de diferente das versões anteriores, ainda soa familiar. Lois Lane volta a ter um protagonismo que há muito tempo a personagem não tinha nas adaptações. E é necessário destacar Nicholas Hoult. Em 2024, elogiei o ator pelo melhor ano de sua carreira com Nosferatu e Jurado Nº 2. Agora, em 2025, ele segue em excelente fase.

Os efeitos visuais são bem executados e as cenas de ação são divertidas, embora, curiosamente, a luta mais empolgante do filme não envolva o protagonista. Também chama atenção o tom de humor presente em vários momentos. Depois de tantos anos, é difícil aceitar que a DC esteja seguindo o mesmo caminho da Marvel ao quebrar cenas intensas com piadas. Isso nunca foi uma característica do Superman, embora faça parte do estilo pessoal do diretor. Como nem todos os projetos futuros serão escritos ou dirigidos por ele, ainda existe espaço para que a DC encontre um tom mais autêntico e se afaste da fórmula saturada que dominou o cinema de super-heróis na última década.

O principal problema do filme está no roteiro. Não por ser mal escrito, mas porque tenta abraçar mais do que consegue. Mesmo deixando de lado a infância e os primeiros passos do Superman como herói, o filme ainda precisa estabelecer o personagem e, ao mesmo tempo, definir as regras e o tom do novo universo cinematográfico da DC. Como obra isolada, ele é mediano, com atalhos narrativos e diálogos expositivos demais para lidar com temas mais profundos. Mas como introdução a uma franquia maior, funciona bem e prepara o terreno de forma promissora. Ainda em 2025 teremos o retorno da série Pacificador, e 2026 trará uma série do Lanterna Verde, além de filmes da Supergirl e do personagem Cara de Barro.

Talvez justamente pela quantidade de informações que o roteiro precisa transmitir, o lado mais interessante da história tenha sido deixado de lado. O filme apresenta pinceladas de críticas sociais bastante pertinentes, desde a manipulação de informações nas redes sociais até o papel geopolítico do Superman (e dos Estados Unidos) em conflitos no Oriente Médio. O fato de essas críticas surgirem de maneira fragmentada é uma pena, mas já mostra uma possível diferença de abordagem em relação à Marvel, que dificilmente poderia tratar de alguns desses temas sob o controle criativo de progressismo barato da Disney.

Superman é um ponto de partida, uma introdução completa a um novo universo cinematográfico. Apesar de, em certos momentos, se parecer demais com a fórmula que consagrou a Marvel, o filme também apresenta momentos de ousadia. Mesmo que pouco desenvolvidos, esses momentos sugerem uma proposta diferente, com personagens mais complexos inseridos em um mundo que lida com problemas mais reais. Um mundo onde salvar o planeta nem sempre parece um ato glorioso, mas sim um trabalho difícil, onde o verdadeiro conflito não é com vilões que querem destruir tudo, e sim entre pessoas que têm objetivos, visões e feridas diferentes.

Nota: 8/10

Na trama, o lendário piloto Sonny Hayes (Brad Pitt) sai da aposentadoria para voltar às pistas como mentor do novato Joshua Pearce (Damson Idris), uma promessa da equipe fictícia ApexGP. O filme acompanha a trajetória de Sonny enquanto ele arrisca tudo para transformar a equipe em uma verdadeira competidora. A narrativa mostra que, mais do que velocidade, vencer exige estratégia, experiência e relações sólidas dentro e fora das pistas.

Embora centrado em um esporte, o roteiro não se limita às corridas e se preocupa em construir arcos emocionais para os personagens, além de relações complexas entre protagonistas e coadjuvantes. Alguns desenvolvimentos podem parecer forçados, mas isso é comum em filmes que cobrem períodos extensos e ainda precisam dar atenção a aspectos técnicos, como é o caso das cenas de corrida.

Para quem não acompanha a Fórmula 1 de perto, certos momentos podem soar exagerados ou até impossíveis. No entanto, há um truque interessante dos roteiristas: muitos dos acontecimentos foram inspirados em momentos marcantes da modalidade nos últimos anos. Mesmo que esses eventos tenham ocorrido em temporadas diferentes e com pilotos distintos, a adaptação é válida como recurso narrativo.

O diretor também acerta ao contextualizar a história no cenário atual da competição. A decisão de filmar em eventos reais permitiu a inclusão de participações rápidas de nomes importantes da Fórmula 1 contemporânea. Nem todas as cenas conseguem integrar de forma totalmente convincente os personagens fictícios aos corredores reais, mas a escolha de usar elementos do mundo real foi bem mais interessante do que criar um universo completamente inventado.

As corridas, que poderiam ser cansativas para quem não é fã da modalidade, são bem distribuídas ao longo do filme. A duração de 155 minutos pode parecer longa, mas a narrativa é dinâmica, com boas alternâncias entre ação e desenvolvimento de personagens. A direção de Kosinski é precisa, e nenhuma cena parece se alongar mais do que o necessário.

Sonny é um personagem carismático, mas contido, que evita demonstrar emoções profundas. Ainda assim, Brad Pitt consegue transmitir muito com gestos e olhares, revelando o que seu personagem não verbaliza. Damson Idris, por sua vez, interpreta um piloto jovem, impulsivo e orgulhoso, que precisa enfrentar os próprios erros e aprender a liderar sua equipe de forma madura e responsável. A tensão entre os dois sustenta parte importante do drama.

F1 é um filme tecnicamente impressionante que, mesmo preso a algumas limitações do gênero esportivo, constrói uma narrativa envolvente. Usa o automobilismo como pano de fundo para contar uma história sobre superação, parceria e crescimento pessoal. Quem é fã da Fórmula 1 talvez note algumas imprecisões, mas a força da trama e a intensidade das corridas são suficientes para prender a atenção do público do começo ao fim.

Nota: 8/10

Em Extermínio: A Evolução, um grupo de sobreviventes vive isolado em uma ilha segura. Quando um dos membros parte em missão até o continente, descobre um novo mundo cheio de horrores, maravilhas e segredos, onde não apenas os infectados, mas também os humanos, sofreram mudanças assustadoras.

Com o retorno de Alex Garland no roteiro, voltam também suas forças e fragilidades como autor. É necessário um certo nível de suspensão de descrença para se deixar levar. Algumas decisões dos personagens, bem como cenas de ação e diálogos, não resistem à lógica básica e parecem existir mais para o impacto visual do que para a coerência narrativa. Em contrapartida, há uma intensidade emocional notável e uma trajetória pessoal dos protagonistas que sustenta o interesse do início ao fim.

Danny Boyle retorna com uma direção impressionante. Ele não apenas reinsere o espectador nesse universo devastado, como injeta imagens que beiram o delírio, remetendo a clássicos do terror psicológico. Há cenas que não são testemunhadas pelos personagens, mas sim captadas de maneira quase delirante, reforçando o sentimento de colapso mental e social. Os momentos de ação são brutais e eficazes, gerando verdadeira tensão sobre a sobrevivência de quem está em cena. Ainda assim, há um desequilíbrio evidente: o ponto alto da história acontece no meio do filme, e o que segue, apesar de consciente da própria desaceleração, acaba deixando o desfecho com menos força do que deveria.

O elenco é um dos grandes acertos da produção. Mesmo com nomes como Jodie Comer, Aaron Taylor-Johnson e Ralph Fiennes, o destaque inesperado é Alfie Williams, ator mirim de 14 anos. Ele carrega o peso emocional da narrativa com segurança, transformando-se ao longo da trama de uma criança ainda inocente em alguém moldado pela brutalidade desse novo mundo. Sua atuação é um lembrete do quanto histórias de horror podem ser profundamente humanas.

Um ponto de incômodo na experiência é a constante sensação de se estar assistindo a uma adaptação de videogame. O filme introduz diferentes tipos de zumbis com características específicas e níveis distintos de dificuldade, o que acaba funcionando como um artifício para justificar variações de ameaça sem necessidade real de explicação. Essa escolha empobrece um pouco a fluidez do universo proposto, que sempre teve na imprevisibilidade uma de suas forças.

Há também o fator geracional. Após um hiato de quase vinte anos, esse novo capítulo dá início a uma trilogia já confirmada. E, se o final deste primeiro longa é qualquer indício do que está por vir, fica no ar uma certa preocupação. É compreensível a tentativa de estruturar um novo arco, mas a obra termina sem deixar confiança suficiente de que o que virá será satisfatório. Vale o registro de gratidão à Disney por não ter se interessado por terror após adquirir a Fox, permitindo que os direitos da obra fossem devolvidos à Sony. Já basta a Disney estar apagando os filmes da minha infância — pelo menos os que marcaram minha adolescência parecem a salvo por enquanto.

Extermínio: A Evolução é um retorno digno para uma das produções mais influentes do terror moderno. Mesmo com alguns tropeços de ritmo e excesso de regras que funcionariam melhor num jogo do que num filme, o peso emocional das relações humanas, somado à direção precisa e estética marcante de Boyle, resgata com vigor a alma do original. Como introdução para uma nova leva de histórias, cumpre seu papel. Mas para deixar uma boa impressão sobre o que vem a seguir, ainda tem um caminho a percorrer.

Nota: 7/10

Refilmagens em live-action de animações antigas já são lugar-comum. O diferencial aqui é que não se trata de mais um remake da Disney. A DreamWorks, apesar de ter um catálogo de sucessos, vem enfrentando dificuldades financeiras há mais de uma década e foi adquirida pela NBCUniversal em 2016. A estratégia atual do grupo é maximizar o uso das propriedades intelectuais que possui, o que soa familiar, mas a curiosidade maior estava em ver como isso seria colocado em prática. E o novo Como Treinar o Seu Dragão talvez represente o primeiro indício concreto do que esperar dessa nova fase.

Na ilha de Berk, onde o confronto entre vikings e dragões é rotina, o jovem Soluço (Mason Thames) rompe com as tradições ao formar uma amizade improvável com Banguela, um temido Fúria da Noite. Ao lado de Astrid (Nico Parker) e do ferreiro Bocão (Nick Frost), ele embarca em uma jornada que desafia crenças antigas e mostra que a verdadeira coragem também nasce da empatia.

Um dos grandes diferenciais do longa frente a outros remakes é sua equipe criativa. Dean DeBlois, co-roteirista e co-diretor da trilogia original, retorna aqui acumulando funções de roteirista, diretor e produtor executivo, uma decisão acertada para garantir respeito ao material original. Ele aproveita a oportunidade para desenvolver melhor personagens secundários que ficaram em segundo plano na animação. John Powell, responsável pela trilha sonora marcante da saga, também está de volta com novas versões orquestradas que mantêm o peso emocional da obra.

E fica claro que esse remake nasceu de um lugar de carinho e cuidado. O design de produção é primoroso, os efeitos especiais são bem executados, e o filme consegue expandir aspectos da história original sem comprometer sua essência. Muitas cenas são quase idênticas às da animação, e tudo bem pois há um motivo pelo qual o filme se tornou tão querido há 15 anos. Para quem já conhece a narrativa, não há mudanças drásticas: apenas ajustes pontuais que conferem mais nuance a certos personagens, solidificam o universo narrativo e reforçam o ritmo do tempo.

Apesar de trazer dragões, vikings e batalhas, o live-action preserva o humor e a sensibilidade que o tornam tão acessível para o público infantil. Mesmo com alguns clichês ocasionais, ainda emociona ao lembrar que, nos momentos difíceis, se colocar no lugar do outro pode ser o maior ato de coragem.

Como Treinar o Seu Dragão é um excelente primeiro passo dentro da iniciativa da NBCUniversal de resgatar grandes títulos do estúdio. Com o sucesso desse lançamento, talvez haja um alívio quanto ao que virá a seguir com propriedades como Shrek, Kung Fu Panda e Madagascar. Finalmente temos um exemplo de adaptação que enriquece o original, sem parecer apenas uma tentativa apressada de capitalizar em cima da nostalgia.

Nota: 8/10

Já faz um bom tempo que a Disney começou a refazer suas animações clássicas em live-action. A primeira foi 101 Dálmatas (1996), estrelado por Glenn Close como Cruella de Vil. Porém, foi com Alice no País das Maravilhas (2010), de Tim Burton, que esses remakes se intensificaram até se tornarem o que são hoje: uma estratégia lucrativa baseada na nostalgia. Além dos ingressos no cinema, esses filmes repopularizam personagens e impulsionam a venda de produtos para o público infantil e adulto.

Lilo & Stitch narra a improvável amizade entre uma jovem havaiana e um alienígena fugitivo de aparência canina. Stitch (Chris Sanders), conhecido como Experimento 626, é uma criatura travessa que acaba sendo adotada por Lilo (Maia Kealoha), uma menina criativa e rebelde. Juntos, eles embarcam em uma jornada repleta de caos e descobertas, aprendendo sobre o verdadeiro significado de família.

A essência da história permanece a mesma, e muitas cenas do primeiro ato são praticamente idênticas às da animação. No entanto, conforme a narrativa avança, as alterações tornam-se mais frequentes e culminam em um terceiro ato completamente diferente do original. O problema não está apenas na diferença, mas na qualidade das mudanças. Todas as melhores decisões de roteiro são as que foram copiadas do filme de 2002, enquanto as novas inserções se mostram inferiores. Isso não é nenhuma surpresa, considerando que o projeto passou por diversos roteiristas antes de entrar em produção.

Por conta do apelo ao público infantil é impossível encontrar uma exibição com áudio original, então seria injusto julgar as atuações com muito rigor. A dublagem funciona bem e consegue adaptar alguns termos sem prejudicar a experiência. Contudo, há momentos em que a entonação das vozes não se encaixa perfeitamente com as expressões físicas dos personagens. O destaque fica para Maia Kealoha, que entrega uma performance sólida mesmo tendo que contracenar com um Stitch criado digitalmente em pós-produção, um desafio difícil para qualquer ator mirim.

O diretor Dean Fleischer Camp, que ganhou notoriedade com Marcel, a Concha de Sapatos, demonstra mais habilidade nas cenas intimistas e emocionais. No entanto, as sequências de ação carecem de inspiração e não capturam o dinamismo do original.

O maior vilão desse remake é seu design de produção. Quem assistiu à animação lembra do uso vibrante de cores e do contraste visual que refletia a estética havaiana em roupas e cenários. No live-action, a paleta foi dessaturada, deixando o filme com um visual genérico. Apesar da ambientação no Havaí, poucas cenas realmente conseguem transmitir essa identidade cultural. Em muitos momentos, poderia ser qualquer cidade litorânea sem diferencial.

A Disney conseguiu exatamente o que queria: revitalizar Lilo & Stitch para impulsionar a franquia comercialmente, garantindo vendas massivas de produtos pelos próximos anos. O longa também tem tudo para ser a maior bilheteria do ano.

Embora não seja um excelente remake, também está longe de ser um fracasso. Há momentos genuinamente emocionantes, as cenas de comédia funcionam e algumas alterações nos personagens fazem sentido, evitando que o filme seja apenas uma cópia direta do original.

Ainda assim, os vários pequenos defeitos impedem que a nova versão alcance o mesmo nível de qualidade do filme de 2002. Lilo & Stitch continua sendo um bom longa para crianças e para assistir em família, mantendo Stitch como um ícone para uma nova geração. Quanto à Disney, resta torcer para que um dia essa necessidade de transformar toda animação em live-action seja abandonada. Afinal, animações já são filmes completos por si mesmas, e refazê-las de maneira realista apenas dilui a magia e a fantasia que as tornaram especiais em primeiro lugar.

Nota: 5/10

A produção mergulha na problemática dos deepfakes, tecnologia baseada em inteligência artificial que manipula imagens e vídeos com impressionante realismo, permitindo a alteração de rostos e vozes. Esse conceito dialoga diretamente com os dilemas atuais sobre o avanço das IAs, alimentando debates sobre suas possíveis consequências e limites éticos.

A trama acompanha quatro líderes da indústria tecnológica que se reúnem em uma mansão luxuosa enquanto uma crise internacional ameaça a estabilidade política, social e econômica do mundo. Dentro dessa bolha de riqueza, eles vivem como se fossem intocáveis, acreditando que seu dinheiro e status os tornam invulneráveis às consequências da realidade. O personagem interpretado por Steve Carell, que tem aparecido menos nas telas nos últimos anos, se destaca como o único que apresenta alguma profundidade emocional interessante, em contraste com seus colegas, que são essencialmente figuras desprovidas de sentimentos genuínos.

À medida que o impacto das ferramentas de IA desenvolvidas por um dos protagonistas atinge seu auge, os personagens começam a arquitetar estratégias para lucrar com o caos resultante. Essa abordagem gera um dos momentos mais sombrios e perturbadores da narrativa, revelando o verdadeiro peso da falta de empatia dos quatro amigos. No entanto, ao invés de seguir para um desfecho intenso e dramático, Armstrong opta por uma rota inesperada que desafia as expectativas iniciais do público.

Este é o primeiro grande projeto cinematográfico dirigido por Jesse Armstrong, que até então havia se consolidado como roteirista e produtor. Surpreendentemente, sua direção é precisa e envolvente, demonstrando uma ótima visão estética e controle de ritmo. Curiosamente, é justamente o roteiro, a área em que Armstrong é mais reconhecido, que apresenta as maiores falhas.

O final do filme será divisivo, não por sua execução técnica, mas pela forma como abraça completamente a sátira e transforma seus protagonistas em caricaturas. Isso pode deixar uma sensação de história incompleta ou desperdiçada, mas também é possível interpretar essa escolha como um reflexo intencional da futilidade e pequenez daqueles que possuem imenso poder aquisitivo, mas demonstram total falta de empatia e humanidade.

O histórico do diretor mostra que seu talento é indiscutível quando se trata de séries, e seu único roteiro de longa-metragem bem avaliado até agora foi uma adaptação. Infelizmente, apesar da expectativa gerada pelo sucesso de Succession, Armstrong não consegue aproveitar a oportunidade dada pela HBO para expandir sua marca, falhando principalmente no desenvolvimento narrativo.

Para aqueles que apreciam histórias onde figuras absurdamente ricas e emocionalmente vazias são expostas e ridicularizadas, Mountainhead ainda oferece conteúdo interessante. No entanto, como obra cinematográfica, ele peca na construção de seus personagens e entrega um terceiro ato que, apesar de satírico, se revela anticlimático e frustrante.

Nota: 5/10

Diferente da abordagem cinematográfica, os livros não seguem uma única narrativa contínua. Cada volume, embora contenha referências sutis entre si, apresenta histórias independentes. Para os mais desavisados, a falta de conexão direta entre este novo filme e os anteriores pode causar estranhamento, mas a escolha da Netflix de seguir a estrutura literária e trazer novas mentes criativas ao projeto ajuda a consolidar a série como uma antologia. Esse formato oferece oportunidades para que diferentes cineastas possam explorar o terror slasher com distribuição global.

Em Rua do Medo: Rainha do Baile, o ensino médio de Shadyside se prepara para a tão esperada noite de formatura. As garotas mais populares da escola competem pela cobiçada coroa de rainha do baile, mas tudo muda quando uma misteriosa candidata entra na disputa. Conforme suas rivais começam a desaparecer sem explicação, o que deveria ser uma celebração inesquecível se transforma em um pesadelo para a turma de 1988.

A Netflix há anos explora a estética dos anos 70 e 80 como ferramenta para atrair o público, e Rainha do Baile segue essa mesma estratégia. O design de produção reforça a nostalgia, recriando com competência a atmosfera da época. No entanto, a trilha sonora apresenta inconsistências – apesar de incluir clássicos da década de 80, muitas músicas parecem mal encaixadas nas cenas em que são utilizadas.

O longa traz um roteiro bem expositivo, algo comum em filmes do gênero slasher. Um dos maiores desafios desse tipo de terror é fazer com que o espectador se importe com os personagens antes que eles sejam mortos. Para manter um ritmo coerente e um suspense crescente, o desenvolvimento emocional costuma ser sacrificado. Como a expectativa do público é que as mortes ocorram ao longo do filme, e não apenas no final, personagens sem profundidade tornam os assassinatos menos impactantes.

Para disfarçar a falta de complexidade narrativa, Rainha do Baile aposta na comédia adolescente e no tom caricato, elementos já estabelecidos na trilogia original. Além disso, por ser uma história independente, o filme pode ser assistido sem conhecimento prévio dos anteriores. Com outros três títulos já confirmados em desenvolvimento, a série deve seguir o caminho das antologias, trazendo novos enredos ambientados na mesma cidade, mas em diferentes épocas.

O mistério sobre quem está por trás dos assassinatos é envolvente, ainda que previsível. A revelação do culpado traz um certo tom de sátira, que combina bem com a proposta do filme. Para os fãs do gênero, há diversas referências a clássicos do terror, algumas explícitas e outras sutis, adicionando um elemento de diversão extra para quem gosta de caçar easter eggs.

Talvez o maior problema do filme – agravado por ser um terror slasher – seja sua violência pouco criativa. Há uma repetição excessiva de cenas semelhantes, que combinam maquiagem e efeitos gráficos de forma artificial. Em filmes onde a violência não é o foco principal, esse tipo de atalho pode ser perdoado. No entanto, os grandes clássicos do gênero são lembrados por seu uso de efeitos práticos, e não digitais.

Em meio à reestruturação das plataformas de streaming, que agora focam em margens de lucro e maior eficiência na produção, o terror slasher ressurge com a mesma proposta de quando o gênero se popularizou nos anos 70: filmes baratos e com alto engajamento, uma fórmula simples para garantir retorno financeiro. Para quem ainda não está familiarizado com esse estilo e deseja conhecer a mistura de horror com comédia adolescente, Rua do Medo: Rainha do Baile surge como uma alternativa que apresenta os principais elementos do gênero sem exagerar na violência, diferentemente dos títulos mais brutais do terror contemporâneo.

Nota: 5/10

Em meio a essa onda de produções pouco inspiradas, o cinema internacional começa a trilhar um caminho diferente e mais original. O Brasil, que está em alta e ganhando cada vez mais reconhecimento global, se une a esse movimento com Homem com H – um filme que não apenas homenageia um ídolo, mas o retrata com honestidade.

A trama percorre diferentes fases da vida de Ney Matogrosso, desde sua infância humilde e sua conexão profunda com a natureza até sua trajetória revolucionária na música brasileira. O filme acompanha sua libertação da opressão e das figuras autoritárias, mostrando como ele desafiou preconceitos e se tornou um dos artistas mais influentes de sua geração. Desde o impacto estrondoso com o grupo Secos & Molhados nos anos 1970 até sua bem-sucedida carreira solo, Ney construiu uma identidade artística inconfundível, marcada pela ousadia, resistência e versatilidade.

A interpretação de Jesuíta Barbosa é, sem dúvida, uma das melhores do ano – talvez até uma das melhores já vistas no gênero. A suspensão de descrença é essencial para o aproveitamento de qualquer obra audiovisual, e ele nos convence plenamente de que estamos vendo o próprio Ney Matogrosso em cena. Seu desempenho capta toda a personalidade e ousadia do cantor, criando uma experiência imersiva que qualquer fã sonharia em testemunhar de perto.

A direção de Esmir Filho, aliada ao primoroso design de produção, transporta o espectador para o passado e recria com precisão as diferentes épocas da vida do artista. Apesar do cuidado visual, um detalhe desnecessário incomoda: a insistência em exibir o ano dos acontecimentos na tela. Embora seja um filme baseado em fatos reais, ainda é uma obra de ficção, e a maioria dos diálogos e cenas jamais ocorreu exatamente como retratado. O próprio design de produção e as contextualizações presentes nos diálogos já são suficientes para situar o espectador, sem a necessidade de marcações temporais explícitas.

O grande mérito do filme, no entanto, não está apenas na reconstrução dos momentos históricos da carreira de Ney, mas na forma como ele apresenta o homem por trás da maquiagem e dos figurinos marcantes. Afinal, quem quer conhecer sua trajetória artística pode recorrer a páginas como Wikipedia e vídeos disponíveis no YouTube. Já entender a essência de Ney de Souza Pereira exige um trabalho muito mais delicado – e Homem com H entrega uma abordagem honesta e humana, explorando seus relacionamentos, traumas e desafios.

Biografias raramente conseguem capturar a vulnerabilidade de seus protagonistas. Quando vivos, poucos querem ser retratados com seus defeitos; quando falecem, a interferência de familiares na versão final do roteiro e da edição dificulta um retrato mais autêntico. No caso de Ney Matogrosso, essa barreira não existe. Ele nunca teve medo da honestidade e da transparência, permitindo que o filme não apenas engrandeça sua trajetória, mas também reafirme sua aura como artista atemporal.

Homem com H é uma biografia que ousa ser verdadeira. Repleta de momentos emocionantes, nos ajuda a entender não apenas a vida e os desafios de um dos maiores ídolos da música brasileira, mas também a complexidade da humanidade e o impacto da arte na forma como enxergamos a nós mesmos e nossas relações.

Nota: 9/10